Le musée du quai Branly-Jacques Chirac présente l’exposition « Bollywood Superstars. Histoire d'un cinéma indien ». L'histoire de plus d'un siècle de cinéma en Inde, colonie britannique puis Etat indépendant, premier producteur cinématographique au monde, dans toute sa diversité : films mythologiques, historiques, sociaux, « masala »... Curieusement, le rôle majeur des Juifs dans cette industrie est occulté.
« Avec plus de 1500 films produits par an, dont une partie exportée sur tous les continents, l’Inde est aujourd’hui le premier producteur de cinéma au monde. L’exposition Bollywood Superstars retrace plus d’un siècle de cinéma indien depuis ses sources mythologiques et artistiques jusqu’aux icônes du « star-system » contemporain. Une scénographie immersive fait entrer le visiteur dans les scènes de danse et les palais des films historiques, proposant un dialogue constant entre objets patrimoniaux et cinéma. »
« Plus de 200 œuvres - peintures, figurines d’ombres, costumes, photographies - illustrent les arts populaires, les récits et les influences artistiques qui ont donné naissance à l’univers éblouissant et infini des cinémas indiens. »
Les commissaires de l’exposition sont Julien Rousseau, Conservateur du patrimoine, responsable de l’unité patrimoniale Asie au musée du quai Branly – Jacques Chirac, et Hélène Kessous, Docteure en Anthropologie sociale et ethnologie, adjointe scientifique au musée départemental des arts asiatiques à Nice.
L’exposition avait été présentée au Louvre Abu Dhabi du 25 janvier au 4 juin 2023 dans le cadre du partenariat entre le Louvre Abu Dhabi, France Muséums et le musée du quai Branly-Jacques Chirac.
Stars juives
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"Le public avait été sidéré par Sulochana, cette actrice polyvalente, qui a joué huit rôles dans le film “Wildcat of Bombay”, en 1927 – depuis le rôle d’un gentleman à celui d’un garnement des rues en passant par l’interprétation d’une blonde européenne."
"La décennie suivante avait été celle de la partition avec le Pakistan et de l’indépendance avec le Royaume-Uni en 1947. Cette année-là, les Indiens avaient eu une héroïne nationale à célébrer quand Pramila était devenue la première Miss Inde du nouveau pays."
Selon Danny Ben-Moshe, les "actrices montrées dans le film sont des « juives fières, des Indiennes fières, des personnalités publiques fières ».
« Elles [les actrices] allaient à la synagogue ou conservaient certaines [coutumes] pour les fêtes juives. Nadira participait, quand elle était plus âgée, aux repas de Shabbat qui étaient apportés depuis la communauté locale. Elles n’avaient aucun problème non plus à être indiennes. C’est une société tellement diverse », raconte Danny Ben-Moshe.
En Inde, ajoute Ben-Moshe, « il y a tant de langues, régions, religions, castes différentes… L’Inde est unique dans le monde, sans histoire d’antisémitisme ».
"Néanmoins, après l’indépendance indienne, la majorité des Juifs ont émigré. La famille de Nadira s’est installée en Israël comme l’avaient fait d’autres Juifs indiens. Aujourd’hui, dit Ben-Moshe, il n’y a presque plus de Juifs."
ÉDITORIAL D'EMMANUEL KASARHEROU,
Président du musée du quai Branly – Jacques Chirac
« L’exposition Bollywood Superstars. Histoire d’un cinéma indien sonde les affinités qui lient l’Inde au cinéma. Le visiteur y découvre les raisons pour lesquelles le médium, introduit dès 1896, a agi comme révélateur identitaire, tantôt confortant la diversité du pays dont il a épousé les facettes multiples, tantôt concourant à l’édification d’une conscience panindienne forte, face à l’occupation coloniale anglaise notamment. La diffusion du cinéma dans le sous-continent coïncide avec la riche tradition indienne des arts populaires narratifs (peintures de conteurs itinérants, théâtres d’ombres, lanternes magiques). Cette tradition a fait sortir les dieux des temples pour les rapprocher de leurs fidèles : la quasidéification des stars de l’écran procède largement de ces pratiques de visualisation du vénéré. Le public saisira par ailleurs combien les comédies musicales et les chorégraphies emblématiques de Bollywood puisent à l’inclination indienne pour la concordance des arts – danse, théâtre, sculpture, peinture…
Exposition d’anthropologie visuelle, Bollywood Superstars s’intéresse conjointement aux esthétiques du cinéma indien, dévoilant une multiplicité de répertoires narratifs et stylistiques qui sont autant de reflets de la diversité des histoires, des identités locales, des langues du pays. Il convient à cet égard de relever que Bollywood est une industrie régionale parmi d’autres, à l’instar de Tollywood, de Mollywood ou encore de Kollywood. La section consacrée au cinéaste réaliste Satyajit Ray rend compte de cette pluralité des registres.
Julien Rousseau, responsable de l’unité patrimoniale Asie du musée du quai Branly – Jacques Chirac, et Hélène Kessous, anthropologue spécialiste de l’Inde, ont conçu l’exposition. Je salue la tenue et la clarté de leur travail, le sujet du cinéma indien pouvant être traité à travers d’innombrables prismes. Des œuvres d’art de grande qualité accompagnent les extraits de films projetés dans l’exposition. Je remercie le Louvre Abu Dhabi, le Musée national des arts asiatiques – Guimet, le musée de l’Armée et l’ensemble des collectionneurs privés pour leur générosité. Leurs prêts viennent compléter les pièces issues des collections du quai Branly.
Manuel Rabaté, directeur du Louvre Abu Dhabi, est à l’origine du projet. Il a tenu un rôle décisif dans sa conduite, avec à ses côtés Dr Souraya Noujaim, anciennement directrice scientifique en charge de la conservation et des collections, ayant aujourd’hui rejoint le musée du Louvre.
Je les remercie tous les deux pour leur confiance. Merci aussi à Olivia Davidson, directrice des expositions et des éditions à France Muséums, ainsi qu’à Francesca Crudo, responsable de projet : l’une et l’autre ont apporté une contribution essentielle à l’entreprise.
L’exposition Bollywood Superstars se distingue par la qualité et l’originalité de ses contenus. Avant d’être présentée au musée du quai Branly – Jacques Chirac en septembre 2023, elle a rencontré l’intérêt des visiteurs du Louvre Abu Dhabi, institution au dynamisme et au rayonnement de laquelle nous nous honorons d’être associés. »
LE PARCOURS
« L’exposition débute avec les arts narratifs populaires qui ont précédé le cinéma et coexisté avec lui jusqu'à nos jours : spectacles de conteurs, de théâtres d’ombres et de lanternes magiques. Le cœur du parcours est consacré ensuite a deux genres indémodables que sont le film mythologique et le film historique. »
« Dieux et princes, romances et batailles inspirent les arts indiens depuis toujours et constituent les recettes des blockbusters. »
« Un intermède dédié au réalisateur Satyajit Ray et au cinéma social apporte un contrepoint pour évoquer la diversité des cinémas indiens qui sont loin de se réduire a l’industrie commerciale de Bombay (Bollywood) qui est la plus connue. »
« Le parcours se termine avec une installation immersive mettant à l’honneur des acteurs ayant traversé les décennies, à partir d’une sélection de scènes cultes. »
« Car en Inde, les acteurs et les actrices sont adorés comme nulle part ailleurs : ils sont les nouvelles icônes de la culture populaire. »
INTRODUCTION
« Le 7 juillet 1896, moins d’un an après les premières projections des frères Lumière à Paris, le chalachitra (cinéma) arrive à Bombay puis s’impose bien vite comme nouveau divertissement. Tout au long du 20e siècle, l’Inde invente son cinéma puisant aux sources de sa mythologie et de ses arts du spectacle, jusqu’à créer la plus grande industrie cinématographique du monde, capable de produire plus de 2000 films par an. Une longue tradition de spectacles itinérants a précédé et coexisté avec le cinématographe. À la manière des théâtres d’ombres, des représentations de lanternes magiques ou de conteurs, les premières salles de projection vont de ville en ville et mettent en scène des récits mythologiques millénaires. L’image animée devient un nouveau moyen d’incarner des dieux et de les rapprocher de leurs fidèles. »
« Dans la première moitié du 20e siècle, le cinéma participe à la construction de la nation indienne et à son émancipation du pouvoir colonial britannique. Avec les dieux et les héros historiques, les films érigent des figures nationales capables de fédérer et d’émerveiller le public au-delà des différences culturelles, linguistiques et sociales qui traversent aujourd’hui encore le sous-continent indien. »
« Cette longue histoire des cinémas de l’Inde a façonné un univers infini, dans une vingtaine de langues et dans tous les genres, depuis les blockbusters des industries régionales aux films d’auteur. Nulle part ailleurs au monde un film avec ses héros et ses héroïnes ne suscite une telle ferveur. Ce succès doit beaucoup aux acteurs et actrices : ils sont les nouvelles icônes de l’écran qui perpétuent toute la magie du premier cinéma. »
Préambule : le darshan
« La vue (darshan) d’une image religieuse, d’un site ou d’un personnage saint, possède un fort pouvoir de protection dans la civilisation indienne. Le darshan donne une force particulière aux images religieuses et au premier cinéma, dédié aux dieux hindous. Ces films ont permis de voir les dieux et d’être vu par eux. »
« Pour ouvrir l’exposition, des objets issus de la collection du musée du quai Branly – Jacques Chirac illustrent le concept de darshan, central dans les arts religieux indiens. Un extrait du film Kabhi Khushi Kabhie Gham (Karan Johar, 2021) présente une puja (offrande) faite aux dieux lors de la fête des lumières de Diwali. »
SECTION 1. « ARTS DU SPECTACLES ET PRÉ-CINEMAS »
« Au début du 20e siècle, le premier cinéma indien coexiste avec les arts du spectacle populaires sans les remplacer. À la manière des peintures des conteurs itinérants, du théâtre d’ombres ou des lanternes magiques, les films s’inspirent de la mythologie et sont montrés de village en village, dans des cinémas ambulants. Cette tradition d’itinérance a perduré et l’on peut toujours voir aujourd’hui des blockbusters dans des salles de fortune, les foires et les fêtes foraines. »
« Les arts narratifs populaires sont plus que des divertissements. Ancrés dans une tradition religieuse forte, ils font sortir les divinités de leurs temples permettant à ceux qui n’y ont pas accès de les voir, et ainsi de nourrir leur dévotion. Leurs histoires tirées des épopées du Mahabharata et du Ramayana mettent en scène Vishnou, le dieu cosmique et inaccessible, incarné par ses avatars Krishna et Rama. Ces héros divins combattent les démons pour restaurer l’ordre universel : le dharma. A travers les arts graphiques, la sculpture ou la magie des premières images animées, ces récits manifestent la présence bénéfique divine. »
Les racines : pré-cinémas et arts populaires
« En 1896, les spectateurs découvrent les images animées, moins d’un an après les premières projections des frères Lumières à Paris. Rapidement et tout au long du 20e siècle, l’Inde invente son propre cinéma en puisant à la source des arts narratifs et des spectacles populaires. Suivant la tradition des conteurs itinérants, des théâtres d’ombres et des spectacles de lanternes magiques, les premiers films s’inspirent d’histoires mythologiques vielles de plus de 2000 ans et sont montrés de village en village, dans des salles ambulantes. Le cinéma devient un nouveau dispositif permettant de faire sortir les dieux des temples et de les rapprocher des fidèles. C’est aussi un moyen d’échanger un regard avec des images divines vivantes, avec toute l’importance religieuse que possède la vue (darshan) dans la civilisation indienne. »
« Dans cette section, le visiteur a la possibilité de manipuler une lanterne magique conçue pour l’exposition et projetant une oeuvre sur plaque de verre exécutée par Gitanjali Rao, artiste et réalisatrice de film d’animation. Il peut également entrer dans la salle en kaléidoscope où se répètent à l’infini les chorégraphies de danses régionales que le cinéma a réadaptées. »
Conteurs itinérants
« La tradition des conteurs itinérants existe toujours en Inde. Pour illustrer leurs récits, ces derniers s’appuient sur des dispositifs qui peuvent prendre différentes formes, du rouleau qui déploie section par section le fil de la narration aux boîtes à images (des petits autels portatifs dans lesquels des panneaux coulissants révèlent les différents moments de l’intrigue). Animés par les conteurs, ces dispositifs portatifs illustrent des récits chantés mythologiques aussi bien que des sujets tirés de la vie quotidienne ou de l’actualité. »
Danses
« La naissance du cinéma prolonge les traditions des arts visuels mais aussi du théâtre, de la musique et de la danse. Ces formes d’expressions partagent d’ailleurs le même langage artistique. Au 5e siècle, le « traité de danse » (natyashastra) décrit un répertoire d’émotions (les rasa, littéralement « saveurs ») exprimées par des attitudes, des gestes et les couleurs. Même lorsqu’ils sont figés dans la sculpture ou la peinture, les personnages des arts indiens adoptent aussi ces codes chorégraphiques. Les quatre émotions primordiales (l’érotique, le furieux, l’héroïque et l’odieux) constituent un répertoire dramatique dont les acteurs reprendront et réinventeront librement les codes. Les chorégraphies du cinéma de Bollywood ne cesseront de puiser dans la tradition classique et dans les nombreuses danses régionales pour créer un genre représentatif. »
« Sous la pleine Lune, Krishna danse avec les jeunes femmes du village de Vrindavana, au bord du fleuve saint de la Yamuna, couvert de lotus. Les mêmes personnages apparaissent plusieurs fois, selon le procédé de la narration continue. La répétition des images de Krishna exprime aussi le sentiment amoureux des vachères pour le dieu séducteur qui occupe toutes leurs pensées. Le sentiment amoureux est considéré comme le « roi » des sentiments dans les arts indiens. »
Kaléidoscope
« Le parcours invite le public à expérimenter un dispositif scénographique immersif avec des extraits de films qui se reflètent dans un jeu de miroirs qui s’inspire des scènes de danse kaléidoscopiques du cinéma dans lesquelles les personnages et les angles de vues se démultiplient. On y voit trois styles de danse : Bharatanatyam (sud de l’Inde), Kathak (nord de l’inde) et une danse inspirée du folklore rajasthani. »
« Ce système fait écho au procédé ancien de la narration continue dans les arts visuels, faisant apparaître plusieurs fois les mêmes personnages dans une composition. »
Des spectacles ambulants au premier cinéma
« Au début du 20e siècle, les films sont en majorité des productions étrangères qui s’adressent aux britanniques et aux élites locales. Pour élargir son public, le cinéma va s’inscrire dans la tradition indienne des spectacles itinérants. »
« À partir des années 1920, les salles ambulantes projettent des adaptations de récits mythologiques vieux de plus de deux mille ans, à la manière des spectacles de théâtre d’ombres et de lanternes magiques. Les épopées mythiques possèdent un pouvoir bénéfique et mettent en scène l’action salvatrice des dieux. Ce sont aussi des histoires populaires indémodables, racontées durant plusieurs nuits. Foisonnantes de combats, d’histoires d’amour, de trahisons et de personnages fantastiques, elles font vivre au spectateur une succession complète d’émotions. »
« La richesse émotionnelle du récit reste aujourd’hui une des particularités des cinémas indiens. »
Théâtre d’ombres
« Le théâtre d’ombres d’Andhra Pradesh (Tholu Bommalata) utilise des figurines géantes spectaculaires. Il se consacre aux épopées du Mahabharata et du Ramayana dont les multiples intrigues laissent la part belle aux grandes batailles des dieux contre les démons. Le montreur manipule les personnages derrière l’écran rétroéclairé alors que le cuir translucide des figures laisse passer les couleurs, mettant en valeur les parures et l’éclat des héros divins. »
« Les figures du théâtre d’ombres Tholu Bommalata portent le nom de « Géants de l’Andhra Pradesh ». Articulées ou d’une seule pièce, elles sont manipulées à l’aide de baguettes de bambou, derrière un écran rétroéclairé. Le cuir translucide laisse passer les couleurs et les zones ajourées font briller les parures des personnages. »
« Joué de village en village, en plein air et de nuit, ce spectacle à la fois royal et populaire était traditionnellement organisé à l’occasion d’une fête religieuse. »
« On lui prête un pouvoir bénéfique dans la mesure où il met en scène le combat salvateur des dieux contre les démons. A la manière du théâtre d’ombres, les films indiens s’inspirent dès les années 1920 de la mythologie et sont projetés dans des cinéma ambulants. »
Lanternes magiques
« Arrivée dans les bagages des Britanniques à des fins de propagande coloniale, la lanterne magique est vite réemployée pour la diffusion d’imageries religieuses. »
« Elle se compose à l’origine de plaques de verres peintes, rétroéclairées par une lampe à huile, dont les images sont projetées sur un mur ou un écran par l’intermédiaire d’un objectif. »
« Mahadeo Gopal Patwardhan (?-1902) et M.M. Pitale utilisent les premiers ce procédé permettant de projeter des images en couleurs et en mouvement pour donner vie aux dieux. Comme pour le cinéma muet, les projections sont accompagnées de musiques jouées en direct et d’un récit explicatif. Bien que l’on présente habituellement la lanterne magique comme un pré-cinéma, celle-ci a coexisté en Inde avec le cinéma jusqu’aux années 1920. »
SECTION 2. DIEUX ET PRINCES A L’ECRAN : FILMS MYTHOLOGIQUES ET HISTORIQUES
« Au début du 20e siècle, l’Inde est une colonie britannique divisée par les langues, les identités régionales et les religions. Comment produire alors un film capable de s’adresser a tous et de toucher le vaste marché indien ? Pour relever ce défi et dans le contexte d’une construction nationale naissante, les premiers films vont remonter aux racines du pays, incarner des dieux et des héros historiques tout en s’inscrivant dans la longue tradition artistique indienne. »
« Fortement influencé par l’iconographie et le style dramatique des « images de calendrier » imprimées par les presses Ravi Varma, Dundiraj Phalke dit Dadasaheb Phalke (1870-1944) réalise les premiers films mettant en scène des divinités hindoues, donnant naissance au cinéma mythologique. Pour illustrer le passage des images imprimées aux images animées, un ensemble exceptionnel de chromolithographies et de peintures originales de Ravi Varma est présenté ici, en regard des films mythologiques muets, puis des séries télévisées à effet spéciaux tirées des épopées hindoues. »
« Bientôt, ce sera le film historique qui offrira au cinéma indien ses plus grands succès, adaptant à l’écran les faits d’armes et la vie sentimentale des souverains de l’âge d’or de l’histoire nationale. Bijoux, sculptures, costumes et objets d’art illustrent ici la grandeur des cours mogholes et rajputes, magnifiées par les classiques du film historique. Des extraits de Mughal-E-Azam (de K. Asif, 1960) sont notamment projetés parmi un ensemble d’objets historiques spectaculaires : robes de cours, écrans ajourés de palais, armures d’apparat et jade sertis de pierres précieuses. Une salle de projection propose ensuite une pause dans le parcours pour évoquer un tout autre cinéma, celui de la nouvelle vague indienne à travers des extraits de l’oeuvre de Satyajit Ray, à sa manière « superstar » du cinéma d’auteur et reconnu dans le monde entier. »
« Dès 1900, distributeurs, projectionnistes et opérateurs parcourent l’Inde avec les films locaux et étrangers alors disponibles. Bombay, Calcutta et Madras deviennent les berceaux d’une industrie florissante qui ambitionne de devenir un phénomène de masse, sur le modèle nord-américain naissant de Hollywood. À la veille de l’indépendance (1947), le développement de l’économie et des infrastructures du cinéma devient un outil de construction nationale. Mais comment créer un cinéma fédérateur dans un pays sous tutelle coloniale britannique, fragmenté par les langues, les castes et les religions ? Pour relever ce défi, les premiers films vont remonter aux racines de la civilisation indienne et de ses traditions artistiques. Ils vont s’inspirer à leur manière des mythes, de l’histoire, de la peinture ou de la danse. »
« Les héros de culture sanskrite, issus de la religion ou des grandes dynasties historiques, deviennent des héros de l’écran capables de rassembler un public national. »
« DES DIEUX IMPRIMES AUX DIEUX ANIMES »
« L’oeuvre de Ravi Varma (1848-1906) a bouleversé l’iconographie religieuse et représenté les dieux tels qu’ils le seront au cinéma. Après des débuts comme portraitiste de cour, Ravi Varma connaît un succès retentissant avec des peintures à caractère mythologique qu’il va transformer en images imprimées en couleurs. »
« Dans ses chromolithographies il va développer un nouveau genre et traiter, dans un style naturaliste et dramatique inspiré de la peinture occidentale, des sujets hindous. Cette imagerie inonde tout le pays rendant les dieux plus accessibles et plus humains que jamais. Ce succès s’accompagne aussi de critiques, reprochant à l’art de Ravi Varma de standardiser les dieux et de corrompre l’art indien d’influences étrangères. »
« Quoiqu’il en soit, les premiers films muets transposent directement les chromolithographies de Ravi Varma. Phalke, le père du cinéma muet, en tirera une forte inspiration après avoir d’ailleurs travaillé dans les studios de l’artiste. »
« Dadasaheb Phalke : le père du cinéma indien
« Dhundiraj Govind Phalke (1870-1944), surnommé Dadasaheb Phalke, est considéré comme le père du cinéma indien. Issu d’une famille de brahmane de la région de Bombay, versé dans la littérature classique, Phalke s’essaie à la photographie, à l’illusionnisme et à l’édition d’art avant de devenir le premier réalisateur professionnel. L’élite cultivée et à forte conscience politique à laquelle il appartient voit dans le cinéma un outil de construction identitaire et d’éveil national. »
« Pour créer un cinéma fédérateur dans un contexte multilingue et multiculturel, Phalke puise aux racines culturelles et religieuses indiennes, créant un genre au succès immédiat : le film mythologique. Par la suite, d’autres réalisateurs comme Baburao Painter, l’un des fondateurs de la Prabhat Film Company, s’engouffrent dans ce nouveau genre. »
« Fantastiques épopées »
« Avec une pérennité extraordinaire, les épopées du Mahabharata et du Ramayana n’ont jamais cessé d’être racontées dans toutes les langues de l’Inde et à travers tous les media artistiques. »
« Ces histoires composées vers le 4e siècle avant notre ère commencent à être représentées dans la sculpture à partir de la période Gupta (du 4e au 6e siècle). »
« Tout au long de l’histoire de l’Inde, les souverains successifs se sont identifiés aux rois divins de ces récits en patronnant leurs représentations. Les épopées relatent les innombrables péripéties et exploits des avatars ou « descentes » du dieu suprême Vishnou, sous la forme de Rama et de Krishna, venus sur terre pour restaurer l’ordre divin menacé par les démons. »
« Le Ramayana et le Mahabharata imbriquent de multiples histoires mêlant batailles fantastiques, romantisme et spiritualité. Elles fascinent toujours autant aujourd’hui et chacun les redécouvre à tous les âges de la vie, à travers les arts classiques ou populaires. Après avoir été massivement diffusées par les compagnies de théâtre ambulant, les épopées sont adaptées en films et séries télévisées, donnant la part belle aux exploits et aux combats des héros divins. »
« Krishna est un avatar (du sanskrit avatara ou « descente ») du dieu suprême Vishnou. Élevé parmi les humbles paysans, on le vénère sous la forme d’un enfant facétieux ou d’un jeune homme séducteur. Proche de ses fidèles, Krishna est vénéré sur le modèle des sentiments humains, ce qui a contribué à en faire un des premiers héros du cinéma. »
L’âge d’or du cinéma hindi (1940-1960)
« Paradoxalement, l’âge d’or du cinéma de Bombay fait suite à l’effondrement des grands studios dès les années 1940. D’illustres réalisateurs tels que Raj Kappoor et Guru Dutt commencent alors à émerger et leur nom résonnera à jamais dans le cinéma populaire hindi. »
« Cet âge d’or est aussi celui de la montée des stars. Avec le déclin des studios, de nouveaux producteurs attirés par le gain proposent des cachets mirobolants aux stars. N’étant plus liées à un studio, les acteurs multiplient leurs engagements et l’on a l’habitude de dire qu’ils tournent un film le matin, un film l’après-midi et un autre le soir. »
« Raj Kapoor fait ses armes à la Bombay Talkies, un studio phare des années 1930. Après ses premiers films Awaara (Le vagabond, 1951) et Shree 420, il ancre son cinéma dans un discours social et campe un personnage de vagabond inspiré du Charlot de Chaplin. Les chansons aux refrains entêtants narrent la difficulté de la vie moderne urbaine et les changements auxquels la société est confrontée. »
« Mehboob Khan, le premier maître des couleurs, fait rugir le technicolor comme personne dans ses films. Attaché au monde paysan, il compose de grandes fresques épiques, parmi lesquelles Aan (Mangala filles des Indes, 1952), et Mother India (1957). »
« Intimiste, Bimal Roy explore les tourments de l’âme humaine, notamment avec sa version de Devdas (1955). »
« Guru Dutt porte l’art cinématographique à son paroxysme. Artiste complet, formé à la Prabhat Film Company et à la danse auprès du grand danseur et chorégraphe day Shankar, il travaille les moments de musique et de danse avec un soin infini permettant ainsi qu’elles se fondent parfaitement aux scènes dialoguées. Cinéaste à la sensibilité exacerbée, dévasté par ses démons intérieurs, il ne cessera de conter les difficultés de l’artiste dans un monde moderne impitoyable comme dans Pyasaa (L’Assoiffé, 1948), récit d’un poète maudit aimé d’une prostituée et dans Kagaz ke Phool (Fleurs de papier, 1959), peinture amère du monde du cinéma. »
« INTERMEDE : SATYAJIT RAY, ICONE DU CINEMA D'AUTEUR »
« En dehors de l’Inde, la diversité des cinémas indiens est peu connue. »
« On s’arrête généralement à une vision binaire opposant les films commerciaux de Bollywood aux films d’auteur de Satyajit Ray. Cette opposition réelle, bien qu’un peu réductrice, cache l’étendue de la palette cinématographique indienne riche d’une multitude de nuances. Pourquoi alors présenter le travail de Ray au milieu des superstars de Bollywood ? Parce qu’à sa manière Ray est une superstar. »
« Icône du cinéma d’auteur, archétype du grand réalisateur, Ray dessine, compose la musique, les costumes et les décors de ses films. Son œil est partout sur le plateau, son implication est totale. Encore aujourd’hui la simple évocation de son nom suffit à designer tout un pan de l’histoire du cinéma indien. Figure du génie cinématographique, vénéré par les jeunes réalisateurs, il est celui que l’on regarde pour apprendre, celui que l’on essaie de copier et celui que l’on espère un jour égaler si ce n’est dépasser. »
« Cet intermède, avec la figure de Satyajit Ray (qui est le cinéaste indien le plus connu des cinéphiles occidentaux) permet de montrer une autre image de l’Inde et le cinéma néo-réaliste, qui s’est développé à la suite de Ray. »
« MAHARAJA ET GRANDS MOGHOLS : L’HISTOIRE AU CINÉMA »
« Particulièrement coûteux, les films historiques sont des pépites rares et des succès inégalés du box-office indien. Mughal E-Azam resta pendant quinze ans le film le plus rentable de l’histoire. »
« À travers la splendeur des cours mogholes et rajputes, le genre met en scène le rêve unitaire de l’Inde en s’inspirant des plus glorieuses heures de son histoire. Au-delà de la véracité historique, le cinéma commémore les règnes des grands souverains, tout comme les anciens arts royaux dédiés à la gloire des princes. »
« L’Empire moghol, immortalisé par le Taj Mahal, est considéré comme un âge d’or de prospérité, de tolérance religieuse et d’épanouissement des arts. Les Rajput, souverains hindous du Nord, deviennent au cinéma des guerriers chevaleresques, unis contre les envahisseurs et maniant le sabre à l’image des dieux guerriers de la mythologie. »
« De la miniature à la photographie »
« La tradition des miniatures de portrait royal débute à la cour de l’empereur moghol Akbar (1556-1605) avant que les sultanats du Deccan, les royaumes hindous de Rajasthan et des collines du Pendjab ne la reprennent en créant leurs styles propres. Dans la seconde moitié du 19e siècle, la photographie et la photographie peinte deviennent les media privilégiés des portraits princiers qui ornent les intérieurs des palais. Ces portraits hybrides naissent de la collaboration des premiers photographes avec les peintres des ateliers royaux, lesquels mettent leur talent de coloriste au service des studios photographiques, face au déclin de la commande de miniatures. La photographie peinte se démocratise ensuite, permettant à chacun d’embellir son portrait et de se parer à l’image des princes. »
« À n’en pas douter, cette mise en scène de la cour dans les studios photographiques aura inspiré le cinéma. »
« La légende des Grands Moghols »
« La période Moghole est un âge d’or de l’histoire de l’Inde. Du règne de son fondateur Babur (1526-1707) jusqu’à son déclin sous Aurangzeb (1658-1707), cette dynastie marque une période d’unité, de tolérance religieuse, de prospérité et d’épanouissement artistique. À son apogée, le pouvoir moghol régnait sur un territoire assez proche des frontières indiennes contemporaines. »
« De leur vivant, les Grands moghols ont patronné d’élogieux manuscrits illustrés pour commémorer leurs règnes. Richesse, romantisme, quête de pouvoir et grandes batailles feront aussi recette au cinéma. Akbar (1556-1605), le conquérant et l’unificateur, ou Shah Jahan (1627-1658), l’édificateur du Taj Mahal, offriront ainsi au film historique ses plus glorieuses figures. »
« Les panneaux ajourés (jali) permettent de voir sans être vu. Leur décor peut être géométrique ou animé de lotus typiquement indiens et de motifs floraux d’inspiration plus occidentale. Tolérants et amateurs d’arts exotiques, les empereurs moghols ont patronné un art « mondialisé », comme en atteste la marqueterie de pierre du Taj Mahal venue de la pietra dura florentine, les objets en jades d’influence chinoise, ou encore les copies de miniatures flamandes produites par les ateliers impériaux. »
« Rajputs, fils du Soleil, de la Lune et du Feu »
« Le nom de Rajput désigne un ensemble de castes guerrières (kshatriya) du Nord de l’Inde, probablement originaires de Haute Asie et installées en chemin au gré de leurs conquêtes. La légende souligne l’origine fantastique des Rajputs qui seraient les descendants des dynasties mythiques du Soleil (Suryavamsha), de la Lune (Chandravamsha) et du Feu (Agnikula), faisant du Rajasthan « le pays des rois ». Nombre de batailles héroïques et de sièges légendaires illustrent la bravoure et la chevalerie de ces guerriers. »
« Leur histoire mouvementée et jalonnée de hauts faits d’armes fut marquée par un refoulement progressif aux marges de la domination musulmane. Cependant, l’hostilité entre Moghols et Rajputs n’a aucun fondement religieux. Celle-ci relève de relations propres au monde féodal, de guerres territoriales et de rivalités dynastiques. »
« SINGLE SCREEN »
« Les single screens, ces cinémas avec un seul écran, une seule salle, sont un héritage culturel et architectural important de l’histoire du cinéma en Inde. Quadrillant le pays pendant des années, ces salles populaires sont devenues le symbole du cinéma « bigger than life », du cinéma comme « divertissement de masse ». »
« Dans l’Inde indépendante des années 1960-1980, Amitabh Bachchan déchaîne les foules avec sa persona du jeune homme en colère et aller au cinéma devient un rituel. Pendant 3 heures, on se retrouve en famille, entre amis, pour vivre les aventures de ses héros préférés. Aller au cinéma, ce n’est pas s’assoir dans le noir et regarder passivement un film. On cri, on chante, on danse, on montre sa dévotion aux stars qui apparaissent sur l’écran. Les single screens deviennent les temples de la dévotion cinéphilique. »
« Un vrai décor de single screen est reconstitué, façade et intérieur, dans lequel est projeté un extrait de Sholay (1975), film emblématique du cinéma indien des années 1970. »
SECTION 3. SUPERSTARS
« La dernière partie du parcours s’ouvre avec les années 1970 et les « single screens » cinéma, qui se développent dans le sillage des premiers grands films à succès de l’industrie de Bollywood. Sholay (de Ramesh Sippy, 1975) classique éternel, hisse au sommet l’acteur culte Amitabh Bachchan dans l’un des premiers films « masala ». À la manière du mélange d’épices masala, le film mêle les genres pour offrir un ensemble complet et intense d’émotions. Mais ce sont avant tout les interprètes adulés du public qui font le succès des films en Inde. Nul autre star-system au monde ne suscite une telle ferveur. Qu’elles soient installées ou montantes, les vedettes populaires ont la capacité d’émouvoir le spectateur d’un simple mot, d’un geste ou d’un regard. Une installation rend hommage à quelques unes des plus grandes stars à partir d’une sélection de scènes iconiques des décennies 1970 à 2010. »
« Shashi Kapoor, Amitabh Bachchan, Silk Smita, Rishi Kapoor, Sri Devi, Rajinikanth, Zeenat Aman, Kamal Hasaan, Rekha, Shah Rukh Khan, Madhuri Dixit, Vikram, Kajol, Salman Khan, Aishwarya Rai, Amir Khan, Deepika Padukone, Ranveer Singh… la litanie des noms pourrait continuer tant le panthéon des superstars indiennes est grand. Nulle part ailleurs qu’en Inde les actrices et acteurs ne sont adulés avec autant de ferveur. Ils font l’objet d’un culte charismatique aussi bien à l’écran qu’en dehors, en tant que personnages publics. »
« Qu’ils soient déjà élevés au rang de demi-dieux, installés ou montants, ces emblèmes du cinéma populaire ont la capacité d’émouvoir le spectateur d’un mot, un geste, un regard. A la fin du parcours, une création visuelle donne un aperçu de ce pouvoir singulier à partir d’une sélection de moments iconiques de films des années 1970 à 2010. Comme conclusion, le dispositif « Bollywood Studio » permet aux visiteurs d’entrer dans des extraits de films pour apparaître au côté des acteurs et danser. »
TROIS QUESTIONS AUX COMMISSAIRES DE L'EXPOSITION
Interview publiée dans le n° 40 de Jokkoo, le magazine des Amis du musée du quai Branly – Jacques Chirac
« / L’exposition se nomme Bollywood Superstars. Histoire d’un cinéma indien.
Pourquoi ce titre ? Quel est le fil conducteur de cette exposition ?
Le titre fait référence à Bollywood, le cinéma indien le plus connu, produit à Bombay et en langue hindi, ainsi qu’au star-system indien unique au monde.
Mais le cinéma indien est multiple et il existe aussi, par exemple, les industries du Sud comme Kollywood en langue tamoule ou Tollywood en télougou.
La seconde partie du titre Histoire d’un cinéma indien fait référence à la généalogie du cinéma indien et à sa filiation particulière avec les arts narratifs populaires.
Les peintures utilisées par les conteurs itinérants, les théâtres d’ombres et les lanternes magiques ont précédé le cinéma et coexisté avec lui. Au début du 20e siècle les premiers cinémas se déplacent de ville en ville pour raconter des histoires mythologiques vielles de plus de 2000 ans. Comme les autres arts du spectacle, le cinéma fait sortir les dieux des temples pour les montrer et les rendre accessibles au plus grand nombre. Ce sont les héros et les héroïnes des films qui servent de fil conducteur à l’exposition, depuis les personnages mythologiques et historiques jusqu’au culte moderne des acteurs.
/ L’exposition met en avant la tradition indienne de la fabrication d’images et son lien avec la mythologie et la religion. À l’ère de la starification des acteurs de cinéma dans une société encore très religieuse, est-il possible de faire un parallèle entre la représentation des superstars de Bollywood et celle des dieux ?
L’exposition ne cherche pas à faire une telle comparaison, ni à développer un discours explicatif. Elle essaye simplement de donner à voir l’importance que peuvent avoir les acteurs et le culte charismatique qu’ils suscitent. Le début de l’exposition montre que, traditionnellement, l’Inde a un rapport très fort à l’image. C’est par la vue (darshan) que passe le pouvoir d’une image divine mais aussi d’un lieu ou d’un personnage saint. Le darshan a donné une fonction religieuse particulière aux arts visuels et renforcé la magie du premier cinéma.
Bien sûr les acteurs ne sont pas des dieux, mais ils sont plus que des êtres humains.
Sans forcer le parallèle, il est intéressant de voir comment les films mettent en scène l’apparition de l’acteur star et son premier échange de regard avec le spectateur.
/ Sholay est une des premières superproductions de Bollywood dans les années 1970. En opposition avec ces films issus de grosses productions, l’exposition dévoile-t-elle également un cinéma indien d’art et d’essais ?
Sholay est un des premiers grands films « masala ». Cette expression fait référence au mélange d’épices et à l’équilibre des saveurs utilisé en cuisine. Un film masala est un cocktail de genres et d’émotions qui offre une intense expérience au spectateur. Le titre Sholay signifie « braise » et met en scène Amitabha Bachchan dans un des rôles qui fera de lui l’une des grandes stars du cinéma indien. C’est un western transposé dans le far west indien, mélange d’action, de drame et de romantisme. Les cinémas n’ont cessé de projeter Sholay depuis 40 ans et c’est un film iconique qui marque les débuts du cinéma de Bollywood.
Mais l’exposition ne se réduit pas aux cinémas commerciaux indiens. Les visiteurs pourront par exemple voir aussi un intermède consacré au cinéma social du Bengale et à son représentant le plus connu, Satyajit Ray, qui est à sa manière la superstar du cinéma d’auteur et de la nouvelle vague indienne des années 40. »
CHRONOLOGIE
« Années 1890 : Introduction de la lanterne magique en Inde. Tout comme le théâtre d’ombres, les projections de lanterne magique sont des spectacles itinérants qui vont coexister avec le cinéma.
1894 : Les presses de l’artiste Ravi Varma (1848-1906) impriment des images mythologiques. Cette imagerie se diffuse à grande échelle et va inspirer les débuts du cinéma.
1896 : Projection du cinéma des frères Lumière à Bombay.
1898 : Les frères Hirlal et Motilal Sen créent la Royal Bioscope Company, première société cinématographique indienne.
1903 : Hirlal Sen réalise Alibaba et les 40 voleurs.
1907 : Ouverture à Calcutta de la première salle de cinéma indienne.
Décennie 1910 : Dadasaheb Phalke (1870-1944) s’inspire des grandes épopées hindoues et crée le film mythologique qui deviendra le premier genre cinématographique indien.
À partir de 1916 : Création de l’India Film Company à Madras, premier studio d’Inde du Sud.
1931 : Le cinéma parlant fait ses débuts avec la sortie d’Alam Ara de Ardeshir Irani.
1920 à 1940 : Époque des grands studios.
1937 : Projection du film Sant Tukaram de Vishnupant Govind Damle et Sheikh Fattelal à la Mostra de Venise. C’est la première fois qu’un film indien est présenté dans un festival international.
1947 : Indépendance de l’Inde.
1950-1960 : Période de l’« âge d’or du cinéma hindi ». Les réalisateurs Mehboob Khan, Raj Kapoor, Guru Dutt, Bimal Roy marquent à jamais le cinéma indien.
1956 : Satyajit Ray est primé au Festival de Cannes avec La complainte du sentier.
À partir de 1970 : Époque des films à formule et avènement des « wood » c’est-à-dire des cinémas commerciaux dont Bollywood (Hindi), Tollywood (Télougou), Kollywood (Tamoul).
1975 : Sortie du film Sholay de Ramesh Sippy. Amitabh Bachchan, l’acteur principal, confirme son statut de superstar et devient « le jeune homme en colère ».
GLOSSAIRE
« Krishna : Avatar de Vishnou, l’un des dieux suprême hindous. Modeste cocher, enfant facétieux ou jeune homme séducteur, Krishna est un dieu populaire qui partage la vie et les sentiments de ses fidèles. Proche de ses fidèles, Krishna a été le premier dieu à apparaître au cinéma.
Mahabharata : Épopée répartie en 18 livres, composée à partir du 4e siècle avant notre ère. À l’issue d’une partie de dés, le clan des Pândava perd son royaume au profit des Kaurava. Les Pândava s’exilent en forêt avant de se lancer dans une reconquête de leur royaume par les armes, aidés par leur cocher divin, Krishna. Cette guerre prendra une dimension cosmique et libèrera le monde des démons.
Moghols : Dynastie musulmane d’Inde du Nord. Du 16e siècle jusqu’à son déclin au 18e siècle, le règne moghol a été un âge d’or d’unité, de tolérance et d’épanouissement artistique. Cette période a inspiré les grands classiques du cinéma historique.
Natyashastra : Traité de danse écrit au 5e siècle décrivant des attitudes, des gestes et des couleurs pour exprimer des émotions (rasa). Ce langage artistique est commun à la danse et aux arts visuels.
Rajputs : Ensemble de castes guerrières du Nord de l’Inde descendantes, selon la légende, des dynasties du Soleil et de la Lune du Rajasthan « le pays des raja (roi) ». Nombre de batailles fantastiques et de sièges légendaires illustrent la bravoure et la chevalerie de ces guerriers.
Ramayana : Épopée de de plus de 40 000 vers, composée entre le 2e siècle avant et le 2e siècle après notre ère. Le héros Rama, avatar du dieu Vishnou, combat les démons pour libérer son épouse prisonnière et restaurer l’ordre divin universel. Le Ramayana n’a jamais cessé d’inspirer les arts indiens jusqu’au cinéma.
Rasa : Littéralement les « saveurs » des arts, c’est-a-dire les sentiments ressentis par l’amateur, connaisseur du langage des arts. Le sentiment amoureux est considéré comme le « roi des rasa ».
Sanskrit : Langue littéraire et religieuse de l’Inde ancienne, considérée comme d’origine divine. »
Biographies des figures marquantes de Bollywood
Raj Kapoor (1924-1988)
« Fils du pionnier du cinéma indien Prithviraj Kapoor, Raj est un acteur, réalisateur et producteur, pilier de l’industrie cinématographique en hindi, qu’il a façonnée avec son studio R.K. Films. Figure emblématique de l’âge d’or du cinéma indien, il reste dans les mémoires grâce a son personnage de vagabond, inspiré par le Charlot de Chaplin, que l’on retrouve dans Awara (Le Vagabond, 1951) et Shree 420 (1955). Raj Kapoor représente l’Inde au festival de Cannes avec Awaara en 1953. En 1964, il marque le public avec Sangam, un mélo dont l’intrigue mêle les histoires d’un trio amoureux et une dangereuse mission au Cachemire. Dans les années 1970, on lui doit une série de films centrés sur des personnages féminins dont Satyam Shivam Sundaram (1978). Au-delà de son empreinte sur l’histoire du cinéma indien, Raj Kapoor est aussi le fondateur d’une dynastie d’acteurs, réalisateurs et producteurs qui est, aujourd’hui encore, l’un des piliers de l’industrie Bollywood. »
Yash Chopra (1932-2012)
« Figure tutélaire du cinéma hindi populaire, Yash Raj Chopra fait partie des inventeurs du cinéma Bollywood. Faiseur de stars, de modes et de tendances, il a régné sur le cinéma indien pendant des décennies. Connu pour le glamour de ses films, « le Roi de la romance » a imposé sa modernité et son non-conformisme notamment avec des scénarios prônant le love marriage, dans une Inde où les mariages arrangés prédominent. Parmi ses grands succès figurent Dhool Ka Phool (1959), le thriller sans chanson Ittefaq (1969), les histoires amoureuses compliquées de Daag, Chandni, ou encore Silsila, qui met en scène Amitabh Bachchan, Rekha et sa femme Jaya. Il excelle dans la représentation des amours contrariés avec des films comme Veer-Zaara (2004) et Jab Tak Hai Jaan (2012), oeuvre posthume réalisée dans un dernier élan créatif. »
Amitabh Bachchan (né en 1942)
« Amitabh Bachchan, le Shahensha (le roi des rois), est né à Allahabad. Acteur incontournable de la scène Bollywood, son mythe se forge dans les années 1970, époque où il incarne un nouveau type de jeune premier, le angry young man, le jeune homme en colère, dans des films à succès comme Zanjeer (1973) de Prakash Mehra, Deewaar (1975) de Yash Chopra et Sholay (1975). Dès le milieu des années 1970, ses rôles se diversifient et lui permettent de devenir une superstar qui peut tout jouer. Il ne cesse, ensuite, de se réinventer tout au long d’une carrière d’une incroyable longévité. Les années 2000 lui permettent de trouver un nouveau souffle en incarnant inlassablement des figures de patriarche. Être à ses côtés dans un film pour une star montante est perçu comme un adoubement. Avec plus de 200 films à son actif, quatre Filmfare Awards en tant que meilleur acteur, Amitabh Bachchan est sans conteste à la hauteur de son plus grand surnom : le sadi ke mahanayak (le grand acteur du siècle). »
Rajinikanth (né en 1950)
« Celui que les fans appellent « Thailavar » (le leader) commence sa carrière dans la seconde moitié des années 1970, oscillant entre les films en tamoul, télougou et kannada. Le succès vient progressivement, alors qu’il joue les rôles d’Amitabh Bachchan dans les remakes tamouls de films hindi. C’est dans le film Moondru Mugham (1982) de A. Jagannathan que, pour la première fois, il interprète plusieurs personnages, ce qui deviendra sa marque de fabrique. Sa grande popularité le conduit a faire des films au nord de l’Inde, dont le premier, Andhaa Kaanoon (1983) de Rama Rao Tatineni, l’amène à jouer aux côtés d’Amitabh Bachchan. Dans les années 1990, ses films battent des records d’audience en créant sensation jusqu’au Japon. Comme de nombreux acteurs de sa génération, les années 2000 le forcent a se réinventer : il endosse le rôle de super-héros robotique dans Enthiran (2010) de S. Shankar ou participe au film en motion capture Kochadaiiyaan (2014) de Soundarya Rajinikanth Vishagan. »
Zeenat Aman (née en 1951)
« Élue Miss Asia Pacific International en 1970, Zeenat Aman débute au cinéma dans Hulchul (1971) de O. P. Ralhan, et Hungama (1971) S. M. Abbas. Elle rencontre le succès avec Haré Rama Haré Krishna (1971) de Dev Anand, puis avec Yaadon Ki Baaraat (1973) de Nasir Hussain, et ses performances dans les chansons phares : « Dum Maro Dum » et « Churaliya yeh tumne jo dil ko ». Zeenat Aman bouscule les codes de la féminité traditionnelle en apparaissant dans des tenues décontractées, les cheveux détachés. Elle défraie surtout la chronique avec son interprétation de Rupa dans Satyam Shivam Sundaram (1978) de Raj Kapoor où elle apparaît très dénudée. La même année, elle figure aux côtés d’Amitabh Bachchan dans Don de Chandra Barot. Malgré une courte carrière, Zeenat Aman a marqué l’histoire de Bollywood, brouillant les lignes entre la vamp et la femme vertueuse. »
Mani Ratnam (né en 1956)
« Ni commercial, ni auteur, naviguant entre films en hindi et films en tamoul, Mani Ratman occupe une place particulière dans le cinéma indien en réussissant a mêler nord et sud du pays, politique et émotion, romance et révolte, tout en portant une extrême attention à la musique. Après plusieurs échecs critiques et commerciaux dans les années 1980, Mani Ratman connaît un premier succès avec Mouna Ragam (1986), avant de s’imposer avec sa « trilogie du terrorisme » : Roja (1992), Bombay (1995) et Dil Se (1998). En 2007, il signe Guru, blockbuster avec Aishwarya Rai et Abishek Bachchan. L’année 2010 est marquée par un film en deux versions (tamoule et hindi) et avec des acteurs différents autour de la figure de Ravana, le démon de l’épopée mythologique du Ramayana. Avec Raavanan (tamoul) et Raavan (hindi), le réalisateur explore les nuances de cet antihéros culturel. »
Sanjay Leela Bhansali (né en 1963)
« Sanjay Leela Bhansali est un réalisateur, scénariste et compositeur influent du cinéma hindi populaire. Il rencontre le succès dès son deuxième film, Hum Dil De Chuke Sanam (1999), mais c’est avec Devdas (2002) qu’il marque les esprits, en faisant notamment l’ouverture du festival de Cannes. Dès lors, Sanjay Leela Bhansali s’impose maître d’un cinéma flamboyant. En 2005, il s’essaie a un nouveau genre avec Black. Après deux échecs, critiques et commerciaux, Saawariya (2007) et Guzaarish (2010), il renoue avec le succès en 2013 avec Goliyon Ki Rasleela Ram-Leela, une adaptation libre de Roméo et Juliette. Symbole du changement de génération, le film est interprété par le nouveau couple star à l’écran, Ranveer Singh et Deepika Padukone. Couple qu’il remet à l’honneur dans ses deux films suivants, Bajirao Mastani (2015) et Padmaavat (2018). En 2022, Gangubai Kathiawadi magnifie la lutte d’un quartier de prostituées, mêlant la dureté à un esthétisme exacerbé. »
Salman Khan (né en 1965)
« Fils du scénariste Salim Khan, Salman Khan commence sa carrière à la fin des années 1980. Il rencontre le succès dès son premier grand rôle, dans Maine Pyar Kiya (1989) de Sooraj R. Barjatya, dans lequel il impose ce qui deviendra sa marque de fabrique : ses muscles et un corps glabre. Associée a cette virilité nouvelle, l’image de Salman Khan s’étale partout en Inde, dans des salles de sport notamment, où les jeunes hommes cherchent a se forger un corps à la hauteur de celui qu’ils surnomment « Bhai », le grand frère. Acteur inclassable, il passe des comédies romantiques comme Hum Dil De Chuke Sanam (1999) de Sanjay Leela Bhansali, à des films soulevant des sujets de société forts comme l’infertilité dans le couple et le recours aux mères porteuses dans Chori Chori Chupke Chupke (2001) de Abbas Alibhai Burmawalla et Mastan Alibhai Burmawalla, ou la place des femmes dans le sport de haut niveau et plus généralement dans la société indienne avec Sultan (2016) de Ali Abbas Zafar. »
Shah Rukh Khan (né en 1965)
« Shah Rukh Khan, également connu sous l’acronyme SRK, est un acteur et producteur incontournable de Bollywood, surnommé le Baadshah (l’empereur) de Bollywood ou encore King Khan (le Roi Khan).
Il décroche son premier rôle à la télévision, à la fin des années 1980, dans Fauji, avant que sa carrière cinématographique ne commence véritablement au début des années 1990 avec deux rôles décisifs d’antihéros : dans Baazigar (1993) d’Abbas-Mastan, et Darr (1993) de Yash Chopra. Dans les années 1990 et au début des années 2000, il tient le rôle principal dans des comédies romantiques très populaires. Depuis, ce prince charmant sans pareil, qui a régné pendant plus de vingt ans sur le cinéma hindi populaire, se réinvente avec plus ou moins de bonheur en essayant de conserver son titre d’empereur du cinéma indien. »
Madhuri Dixit (née en 1967)
« Actrice à la carrière prolifique, Madhuri Dixit joue dans plus de soixante-dix films et reçoit six Filmfare Awards, dont quatre en tant que meilleure actrice. Elle fait ses débuts en 1984 avec un rôle principal dans Abodh (1984) de Hiren Nag, et perce avec le film d’action Tezaab (1988) de N. Chandra. Elle s’impose ensuite dans une série de blockbusters romantiques des années 1990 comme Dil (1990) de Indra Kumar, Hum Aapke Hain Koun... ! (1994) de Sooraj R. Barjatya, ou encore Dil To Pagal Hai (1997) de Yash Chopra. En 2002, avant de s’éloigner du star-system pour quelques années, elle crève l’écran dans Devdas de Sanjay Leela Bhansali au côté de Aishwarya Rai et de SRK. Elle revient sur le devant de la scène en 2007 avec le film Aaje Nachle d’Anil Mehta. Grâce a son talent, Madhuri Dixit trouve encore sa place aujourd’hui dans une industrie cinématographique qui ne laisse pourtant que peu d’espace aux femmes de plus de 50 ans. Elle est notamment à l’affiche de Kalank (2019) de Abhishek Varman. »
Karan Johar (né en 1972)
« Fils de producteur, Karan Johar commence sa carrière comme acteur avant de devenir réalisateur, producteur (Dharma Production) et présentateur de talk-show télévisé. En 1995, il assiste son cousin, le réalisateur Aditya Chopra, sur le tournage de Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995) et se montre très influencé par lui pour son premier film, Kuch Kutch Hota Hai (1998). Kabhi Khushi Kabhie Gham... (2001), film choral, confirme son statut de réalisateur influent. Koran Johar est aussi un producteur à succès : les films marqués du sceau Dharma Production repoussent les limites de Bollywood comme Dostana (2008) qui évoque l’homosexualité, Kapoor & Sons (2016) ou encore Dear Zindegi (2016). À travers moins de dix longs métrages, Karan Johar s’est attaché à dépeindre une certaine idée de la modernité indienne et de sa société, en portant à l’écran des sujets tabous tels que l’adultère, le divorce ou encore le désir féminin, même s’il demeure conservateur à bien des égards. »
Aishwarya Rai Bachchan (née en 1973)
« Élue Miss Monde 1994, Aishwarya Rai Bachchan débute sa carrière cinématographique en 1997 dans Iruvar, un film tamoul de Mani Ratnam, puis dans un film hindi de Rahul Rawail...Aur Pyaar Ho Gaya. Après plusieurs rôles qui lui valent le succès, elle atteint la consécration internationale avec Devdas qui fait l’ouverture du festival de Cannes en 2002. Aishwarya Rai joue aussi bien dans des films du nord de l’Inde que dans des films du Sud, et, à chaque fois, aux côtés des plus grands acteurs et réalisateurs. Dans les années 2000, elle s’essaie aux films d’action avec Dhoom:2 (2006) de Sanjay Gadhvi, dans lequel elle donne la réplique à Hrithik Roshan, qu’elle retrouve en 2008 dans Jodhaa Akbar d’Ashutosh Gowariker. Après une pause pour se consacrer a sa famille, elle fait un retour mitigé dans le film Ae Dil Hai Mushkil (2016) de Karan Johar, dans lequel elle interprète une femme ayant une relation avec un homme plus jeune qu’elle. Elle cherche depuis lors à inventer des rôles à sa mesure dans un cinéma indien souvent sclérosé par des stéréotypes féminins dépassés. »
Kajol (née en 1974)
« Kajol est la fille du réalisateur Shomu Mukherjee et de l’actrice Tanuja.
Elle commence sa carrière très jeune et se fait remarquer dès son deuxième film, Baazigar (1993) Abbas-Mastan cf supra, aux côtés de Shah Rukh Khan, qu’elle retrouve dans l’un des plus grands succès de l’industrie cinématographique indienne : Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995) de Aditya Chopra. Loin de se contenter du succès dans des comédies romantiques classiques, Kajol alterne thrillers et comédies, et, lorsqu’elle tient le rôle principal d’un grand film dramatique, l’actrice brille par sa capacité à avoir plusieurs visages, comme dans Faana (2006) de Kunal Kohli. Tout au long de sa carrière, elle incarne des personnages proches du peuple, élément clé de sa popularité.
Kajol est aujourd’hui l’actrice indienne la plus récompensée par l’académie des Filmfare Awards. »
Galerie Jardin
37, quai Branly ou 206 et 218, rue de l’Université. 75007 Paris
Tél. : +33 (0)1 56 61 70 00
Mardi, mercredi, vendredi, samedi et dimanche de 10 h 30 à 19 h.
Nocturne le jeudi jusqu’à 22 h.
Fermeture hebdomadaire le lundi.
Australie, Menemsha Films, 2018, 85 minutes
Visuels :
David Abraham Cheulkar, connu également sous le nom d'Oncle David (Autorisation : Menemsha Films)
The Jewish actress Arati Devi AKA Rachel Sofaer
Sulochana in ‘Daku ki Ladki.’ (Courtesy Menemsha Films)
Arati Devi, connu également sous le nom de Rachel Sofare, dans le classique de Bollywood, ‘Life Devine’. (Autorisation : Menemsha Films)
Nadira à ‘Inkfrog.’ (Autorisation : Menemsha Films)
Jeune Pramila
Articles sur ce blog concernant :
Les citations sur l'exposition proviennent du dossier de présentation.
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